Картина банка супа
Почему банки с супом Энди Уорхола стали арт-сенсацией

Я совсем не понимаю такое искусство и считают его "высосанным из пальца", но есть множество людей, которые имеют другое мнение. Интересно почитать их рассуждения на этот счет.
9 июля 1962 года малоизвестный художник Энди Уорхол (Andy Warhol) открыл небольшую выставку в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Тема выставки просто взрывала мозг: это были банки с супом! Каждая из тридцати двух картин изображает разные вкусы и ароматы супов фирмы «Кэпмбелл» в линейке, от помидоров до перца и крема из сельдерея.
Какой же смысл вложил художник в эти работы? В чём секрет сенсационного успеха и всеобщего признания?
Для Уорхола, которому тогда было тридцать четыре года, это была первая персональная выставка живописи. К тому времени он почти десять лет проработал ведущим коммерческим художником, работая с такими бизнес-империями, как Tiffany & Co. и Dior. Энди был полон решимости стать «настоящим» художником, признанным музеями и критиками. Его секретное оружие? Зарождающийся стиль «поп-арт».
Что означают картины с супом?
Поп-арт перевернул традиционное искусство с ног на голову. Вместо портретов, пейзажей, батальных сцен или других предметов, которые эксперты считали «искусством», такие художники, как Уорхол, брали изображения из рекламы, комиксов и других элементов популярной культуры. Они использовали юмор и иронию, чтобы прокомментировать, как массовое производство и потребительство стали доминировать в американской (и не только) жизни и культуре.
Художники-абстракционисты 1950-х годов, такие как Джексон Поллок, могли прославить себя как творческие гении-индивидуалисты. Художники 1960-х годов придерживались противоположного подхода. Они пытались сгладить или устранить все следы своих собственных художественных процессов - например, мазки кистью. Они всегда старались сделать так, чтобы их работа казалась почти механической, как предмет массового выпуска, который она изображала. Почти.
Чтобы нарисовать картину «Банка супа Кэмпбелла», Уорхол спроецировал изображение банки супа на свой чистый холст, обрисовал контур и детали, а затем аккуратно заполнил его, используя кисти и краски. Для единообразия он использовал ручной штамп, чтобы нарисовать геральдический узор вокруг нижнего края каждой этикетки, но не всегда получалось правильно. Мелкие детали - крошечные пятна красного цвета на картине «Томатный суп», неравномерно нанесённый штамп геральдической лилии на других - выдавали ручное происхождение картин. Используя техники изобразительного искусства для изображения предметов повседневного потребления, Уорхол уловил существенное противоречие в поп-арте. Хотя они должны были выглядеть так, как будто они были сделаны механически, каждая картина немного отличалась - и не только этикеткой.
Есть одна общая черта, которая объединяет все тридцать две картины. Вместо того, чтобы детализировать замысловатый медальон в центре этикетки каждой банки, представляющий «золотую медаль качества», которую суп Кэмпбелла выиграл на Парижской выставке 1900 года, Уорхол заменил его простым золотым кружком. Биограф Уорхола, Блейк Гопник, размышлял об этом так: «Это просто потому, что другие краски плохо держатся на золоте? Или потому что получение настоящих медалей требует слишком много усилий? Или может ему просто понравился графический штамп золотого круга?»
Графический эффект и атмосфера ностальгии – это может быть теми двумя причинами, по которым Уорхол выбрал линейку продуктов Кэмпбелла в качестве своей поп-иконы. Классический дизайн лейбла мало изменился с момента его дебюта на рубеже 20-го века. В том числе домашний, скорописный шрифт «Кэмпбелл», который, по словам архивиста компании, был очень похож на подпись основателя Джозефа Кэмпбелла. А сам Уорхол вырос на супе Кэмпбелла. «Я ел его. Один и тот же обед в течение двадцати лет», - сказал он.
Как впервые картины увидели свет
Когда в 1962 году открылась выставка Уорхола, поп-культура только зарождалась. Люди понятия не имели, что делать с искусством, которое так отличалось от всего, чем должно было быть искусство.
Во-первых, Ирвинг Блюм, один из владельцев галереи Ferus, решил выставить картины на узких полках по всей длине галереи, как в проходе супермаркета. «Банки стоят на полках», - сказал он позже о своей инсталляции. Почему бы и нет?
Шоу не произвело фурор, на который надеялись Блюм и Уорхол. На самом деле, тот небольшой отклик, который был получен от публики или искусствоведов, был довольно резким. «Этот молодой «художник» либо тупоголовый дурак, либо упрямый шарлатан», - написал один критик. Карикатура в Los Angeles Times высмеивает картины и их предполагаемых зрителей. «Откровенно говоря, сливки из спаржи на меня не действуют», - говорит один любитель искусства другому, стоя в галерее. «Но ужасающая насыщенность куриной лапши даёт мне подлинное чувство дзен». Торговец произведениями искусства рядом с галереей Ферус был ещё более резким. Он разложил в своём окне настоящие банки с супом Кэмпбелла вместе с надписью: «Не вводите себя в заблуждение. Получите оригинал. Наша низкая цена - два за 33 цента».
Несмотря на всё это, Блюму удалось продать пять картин - в основном друзьям, включая актёра Денниса Хоппера. Но ещё до того, как шоу закрылось, он вдруг передумал. Понимая, что картины лучше всего подходят для полного набора, Блюм выкупил те, которые продал. Он согласился заплатить Уорхолу 1000 долларов за всё. Уорхол был в восторге - он всегда думал о «Банках с супом Кэмпбелла» как о наборе. И для художника, и для дилера это решение было «хитрым» ходом, который в будущем окупился.
Почему картины стали такой сенсацией?
Как только публика и критики преодолели шок, они стали созревать до консервных банок Уорхола. Во-первых, это было свежей идеей в искусстве. Насколько сложно понять картину, если оригинал, вероятно, лежит на кухонной полке? Критики начали замечать хитрый ироничный юмор в «портретах» Уорхола Скотч Бульон и Куриный Гамбо. И решение Блюма сохранить картины вместе усилило их влияние.
Выставка в Ferus Gallery стала поворотным моментом в карьере Уорхола. После «Банок супа Кэмпбелла» Уорхол переключился с рисования на шелкографию, процесс, который давал более механические результаты и позволял ему создавать несколько версий одной работы. Его репутация продолжала расти. К 1964 году запрашиваемая цена за одну картину суповой банки, отсутствовавшую в наборе Блюма, выросла до 1500 долларов, и нью-йоркские светские личности носили бумажные платья с принтом суповых банок, изготовленные на заказ самим Уорхолом.
Сама Campbell's Soups вскоре присоединилась к всеобщему веселью. В конце 1960-х компания ухватилась за популярную тогда причуду бумажных платьев, выпустив «Souper Dress» (супер платье) и маленькую сумочку, покрытую этикетками для супов в стиле Уорхола. Каждое платье имело три золотые полосы внизу, поэтому владелица могла обрезать платье до идеальной длины, не разрезая рисунок консервной банки. Цена: 1 доллар и две этикетки Campbell's Soup.
Сегодня консервные банки с супом Уорхола остаются иконой поп-культуры: от тарелок и кружек, до галстуков, футболок, досок для сёрфинга и колод для скейтбордов. Один из самых ярких снимков был связан с самим Уорхолом: на обложке журнала Esquire в мае 1969 года он тонул в банке с томатным супом Кэмпбелла.
В конце концов, консервные банки Уорхола были признаны Музеем современного искусства достойными называться искусством. В 1996 году музей выкупил у Ирвинга Блюма все тридцать две картины за космические 15 миллионов долларов - потрясающая отдача от его инвестиций в 1000 долларов в 1962 году. Даже платье Souper Dress было объявлено классикой. В 1995 году, за год до того, как картины попали в Музей современного искусства, они вошли в коллекцию музея Метрополитен.
«32 банки супа Кэмпбелл» Уорхола
Сюжет
Говоришь Уорхол — подразумеваешь бесконечный репринт. История с упаковкой супа Кэмпбелл началась в 1960-м с изображения одной банки и закончилась через два года двумя сотнями картинок. В промежутке был вариант из 32 копий.
Первая работа была посвящена рисово-томатному супу — самому популярному — и выполнена в технике живописи. Все последующие вариации созданы в технике, которая сделала Уорхолу имя, — шелкография. Именно она позволяла ему штамповать за день десятки копий одного сюжета.
«32 банки супа Кэмпбелл». (wikimedia.org)
Когда Уорхол впервые представил картину, каждое из изображений лежало на полке, как если бы это были настоящие банки в супермаркете. Их количество соответствовало числу вкусов, которые тогда могла предложить компания Кэмпбелл. И каждая картинка обладала своим запахом, который подтверждал название — что на коробке, то и в коробке.
Контекст
Современники назвали работу с упаковкой супов отражением пошлости и бездуховности культуры массового потребления. В это охотно верится, если не знать, что сам Уорхол был фанатом потребления. И его творчество — гимн потребительской эпохе. Селебрити, политики, деньги, товары — все лишь объекты потребления.
Уорхол сам выбирал объекты для тиражирования. Суп Кэмпбелл был дешевым и популярным, особенно в среде бедных людей, откуда вышел и художник. Человек, воспитанный на супах быстрого приготовления, либо сдается, либо протестует. Уорхол дошел до того, что превратил идолов в своего рода суп: многократно повторенный, разжеванный образ быстро готовится, легко продается, с удовольствием потребляется и вызывает привыкание.
Портреты Монро. (wikimedia.org)
Энди создал Джоконду XX века — изображение Мэрилин Монро. Первую работу он выполнил вскоре после ее смерти, а затем сделал многочисленные репринты. Это одновременно возносило ее фото до уровня иконы и низвергало до уровня листовок. Очень дорогих листовок. И так Уорхол поступал со всеми.
Судьба художника
Ненасытная жажда потребления — это отчасти следствие нищего детства. Энди родился в многодетной семье иммигрантов, жизнь была непростой. Ребенком он перенес несколько серьезных болезней, из-за которых был вынужден много времени провести в постели. В результате Уорхол вырос мнительным, закомплексованным, боящимся врачей. В юности он перекрасил волосы в седой: он хотел выглядеть, как старик, думать, как старик, и жить, как старик. Но все вышло с точностью до наоборот.
Автопортрет, 1966. (wikimedia.org)
Отучившись на графического дизайнера, он отправился в Нью-Йорк, где занялся рекламой: рисовал иллюстрации, плакаты, оформлял витрины. Предлагаемые им образы были дерзкими, провокационными и … работающими. Его реклама продвигала товары. Вскоре Уорхол смог от ремесла перейти к творчеству.
Он смог соединить индустрию рекламы и искусство. Шелкография, которую Уорхол стал использовать для создания арт-объектов, позволила реализовать его идею: искусство надо производить массово. Понятия высокого и низкого были нивелированы.
Уорхол в мастерской. (wikimedia.org)
Свою мастерскую он организовал по принципу Содома и Гоморры. Вечеринки с алкоголем, наркотиками, оргиями не прекращались. Контора работал под вывеской «Фабрика» и занимала особняк на Манхэттене. Почти все, кто так или иначе сотрудничали с Уорхолом, подсаживались на наркотики разной степени тяжести. Художник делал это специально: низводил людей до уровня животных, наблюдал за ними и в очередной раз демонстрировал, что те, кто считают себя людьми, личностями, таковыми не являются.
Параллельно с вечным «праздником» «Фабрика» производила искусство. Это была и реализация Уорхола, и его пощечина общественному вкусу, которому привычны уникальные арт-произведения, создаваемые долго и мучительно. Уорхол своим тиражированием запустил новый тренд: искусство всегда должно быть на полке, уникальность больше не интересует, даже упаковка может быть шедевром, стоящим тысячи и даже миллионы долларов.
Картина «Банки с супом Кэмпбелл», Энди Уорхол — описание
Банки с супом «Кэмпбелл» - Энди Уорхол. 1962. Холст, синтетические полимерные краски. 51 x 41 см
Банка супа «Кэмпбелл» - произведение, которое круто изменило жизнь Энди Уорхола. Наконец, к нему пришла слава, признание и в связи с этим материальный достаток. До тех пор художнику неустанно напоминали – коммерческие иллюстрации не имеют к высокому искусству никакого отношения, но Уорхол сломает этот стереотип, бросив вызов обществу.
История началась с отпуска. Художник решил сделать паузу, чтобы отдалиться от работы и придумать что-нибудь совершенно новое. Какие только эксперименты не проводил мастер – рисовал мультяшных персонажей, смешивал краски, оставлял на асфальте белые листы, чтобы прохожие оставляли на них отпечатки своих ботинок. Нужная идея пришла неожиданно – кто-то подсказал Уорхолу: нужно рисовать то, что любишь. Так появились знаменитые банки с супом. Художник признавался, что этот суп был его обедом в течение 20 лет. Стоит упомянуть, что банки нужны были не только ради содержимого, так как мать Уорхола Юлия, главная помощница будущего «короля поп-арта», увлекалась изготовлением цветов из жестяных банок, которые после продавала за небольшую цену.
И вот Уорхол отправляет Юлию в магазин, чтобы та купила все виды супов марки «Кэмпбелл», которые выпускались на тот момент брэндом. И художник принялся за работу, которая заняла целый год. Итогом стал цикл работ из 32 полотен, выполненных в технике шелкографии, каждая размером 51x41 см. 9 июля 1962 года в галерее Ferus (Лос-Анджелес) банки с супом были впервые представлены обществу и произвели ошеломительный эффект. Гости экспозиции говорили, что это простое по сути изображение заставило о многом задуматься – безликость массового потребления, пошлость и одинаковость, бездушие окружающих предметов. Уорхол мгновенно понял: он нашёл то, что искал, новую идею, новое направление, получившее название «поп-арт».
Далее творческая и общественная жизнь художника пошла гладко. Он много работал, выбирая самые неожиданные идеи, обращался к портретам известных личностей, а интерес к своему творчеству Уорхол неизменно подогревал скандальной репутацией – открыл студию-салон «Фабрика», менял любовников, снимал скандальные фильмы. Всё это обеспечило высокую стоимость всех работ, выпускаемых Уорхолом. Но самое удачное произведение, по мнению автора, было именно «Банки с супом Кэмпбелл».
Как тридцать две банки супа Кэмпбелл стали арт-сенсацией
9 июля 1962 года малоизвестный художник Энди Уорхол (Andy Warhol) открыл небольшую выставку в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Тема выставки просто взрывала мозг: это были банки с супом! Каждая из тридцати двух картин изображает разные вкусы и ароматы супов фирмы «Кэпмбелл» в линейке, от помидоров до перца и крема из сельдерея. Какой же смысл вложил художник в эти работы? В чём секрет сенсационного успеха и всеобщего признания?
Для Уорхола, которому тогда было тридцать четыре года, это была первая персональная выставка живописи. К тому времени он почти десять лет проработал ведущим коммерческим художником, работая с такими бизнес-империями, как Tiffany & Co. и Dior. Энди был полон решимости стать «настоящим» художником, признанным музеями и критиками. Его секретное оружие? Зарождающийся стиль «поп-арт».

Что означают картины с супом?
Поп-арт перевернул традиционное искусство с ног на голову. Вместо портретов, пейзажей, батальных сцен или других предметов, которые эксперты считали «искусством», такие художники, как Уорхол, брали изображения из рекламы, комиксов и других элементов популярной культуры. Они использовали юмор и иронию, чтобы прокомментировать, как массовое производство и потребительство стали доминировать в американской (и не только) жизни и культуре.
Художники-абстракционисты 1950-х годов, такие как Джексон Поллок, могли прославить себя как творческие гении-индивидуалисты. Художники 1960-х годов придерживались противоположного подхода. Они пытались сгладить или устранить все следы своих собственных художественных процессов - например, мазки кистью. Они всегда старались сделать так, чтобы их работа казалась почти механической, как предмет массового выпуска, который она изображала. Почти.

Чтобы нарисовать картину «Банка супа Кэмпбелла», Уорхол спроецировал изображение банки супа на свой чистый холст, обрисовал контур и детали, а затем аккуратно заполнил его, используя кисти и краски. Для единообразия он использовал ручной штамп, чтобы нарисовать геральдический узор вокруг нижнего края каждой этикетки, но не всегда получалось правильно. Мелкие детали - крошечные пятна красного цвета на картине «Томатный суп», неравномерно нанесённый штамп геральдической лилии на других - выдавали ручное происхождение картин. Используя техники изобразительного искусства для изображения предметов повседневного потребления, Уорхол уловил существенное противоречие в поп-арте. Хотя они должны были выглядеть так, как будто они были сделаны механически, каждая картина немного отличалась - и не только этикеткой.

Есть одна общая черта, которая объединяет все тридцать две картины. Вместо того, чтобы детализировать замысловатый медальон в центре этикетки каждой банки, представляющий «золотую медаль качества», которую суп Кэмпбелла выиграл на Парижской выставке 1900 года, Уорхол заменил его простым золотым кружком. Биограф Уорхола, Блейк Гопник, размышлял об этом так: «Это просто потому, что другие краски плохо держатся на золоте? Или потому что получение настоящих медалей требует слишком много усилий? Или может ему просто понравился графический штамп золотого круга?»
Графический эффект и атмосфера ностальгии – это может быть теми двумя причинами, по которым Уорхол выбрал линейку продуктов Кэмпбелла в качестве своей поп-иконы. Классический дизайн лейбла мало изменился с момента его дебюта на рубеже 20-го века. В том числе домашний, скорописный шрифт «Кэмпбелл», который, по словам архивиста компании, был очень похож на подпись основателя Джозефа Кэмпбелла. А сам Уорхол вырос на супе Кэмпбелла. «Я ел его. Один и тот же обед в течение двадцати лет», - сказал он.
Как впервые картины увидели свет
Когда в 1962 году открылась выставка Уорхола, поп-культура только зарождалась. Люди понятия не имели, что делать с искусством, которое так отличалось от всего, чем должно было быть искусство.
Во-первых, Ирвинг Блюм, один из владельцев галереи Ferus, решил выставить картины на узких полках по всей длине галереи, как в проходе супермаркета. «Банки стоят на полках», - сказал он позже о своей инсталляции. Почему бы и нет?
Шоу не произвело фурор, на который надеялись Блюм и Уорхол. На самом деле, тот небольшой отклик, который был получен от публики или искусствоведов, был довольно резким. «Этот молодой «художник» либо тупоголовый дурак, либо упрямый шарлатан», - написал один критик. Карикатура в Los Angeles Times высмеивает картины и их предполагаемых зрителей. «Откровенно говоря, сливки из спаржи на меня не действуют», - говорит один любитель искусства другому, стоя в галерее. «Но ужасающая насыщенность куриной лапши даёт мне подлинное чувство дзен». Торговец произведениями искусства рядом с галереей Ферус был ещё более резким. Он разложил в своём окне настоящие банки с супом Кэмпбелла вместе с надписью: «Не вводите себя в заблуждение. Получите оригинал. Наша низкая цена - два за 33 цента».

Несмотря на всё это, Блюму удалось продать пять картин - в основном друзьям, включая актёра Денниса Хоппера. Но ещё до того, как шоу закрылось, он вдруг передумал. Понимая, что картины лучше всего подходят для полного набора, Блюм выкупил те, которые продал. Он согласился заплатить Уорхолу 1000 долларов за всё. Уорхол был в восторге - он всегда думал о «Банках с супом Кэмпбелла» как о наборе. И для художника, и для дилера это решение было «хитрым» ходом, который в будущем окупился.

Почему картины стали такой сенсацией?
Как только публика и критики преодолели шок, они стали созревать до консервных банок Уорхола. Во-первых, это было свежей идеей в искусстве. Насколько сложно понять картину, если оригинал, вероятно, лежит на кухонной полке? Критики начали замечать хитрый ироничный юмор в «портретах» Уорхола Скотч Бульон и Куриный Гамбо. И решение Блюма сохранить картины вместе усилило их влияние.
Выставка в Ferus Gallery стала поворотным моментом в карьере Уорхола. После «Банок супа Кэмпбелла» Уорхол переключился с рисования на шелкографию, процесс, который давал более механические результаты и позволял ему создавать несколько версий одной работы. Его репутация продолжала расти. К 1964 году запрашиваемая цена за одну картину суповой банки, отсутствовавшую в наборе Блюма, выросла до 1500 долларов, и нью-йоркские светские личности носили бумажные платья с принтом суповых банок, изготовленные на заказ самим Уорхолом.

Сама Campbell's Soups вскоре присоединилась к всеобщему веселью. В конце 1960-х компания ухватилась за популярную тогда причуду бумажных платьев, выпустив «Souper Dress» (супер платье) и маленькую сумочку, покрытую этикетками для супов в стиле Уорхола. Каждое платье имело три золотые полосы внизу, поэтому владелица могла обрезать платье до идеальной длины, не разрезая рисунок консервной банки. Цена: 1 доллар и две этикетки Campbell's Soup.
Сегодня консервные банки с супом Уорхола остаются иконой поп-культуры: от тарелок и кружек, до галстуков, футболок, досок для сёрфинга и колод для скейтбордов. Один из самых ярких снимков был связан с самим Уорхолом: на обложке журнала Esquire в мае 1969 года он тонул в банке с томатным супом Кэмпбелла.


В конце концов, консервные банки Уорхола были признаны Музеем современного искусства достойными называться искусством. В 1996 году музей выкупил у Ирвинга Блюма все тридцать две картины за космические 15 миллионов долларов - потрясающая отдача от его инвестиций в 1000 долларов в 1962 году. Даже платье Souper Dress было объявлено классикой. В 1995 году, за год до того, как картины попали в Музей современного искусства, они вошли в коллекцию музея Метрополитен.

Искусство заставляет нас остановиться и задуматься, а что же на самом деле хотел сказать художник? Часто же бывает такое, что оно нас просто поражает в самое сердце, вызывая восхищение мастерством творца шедевра. Прочтите нашу статью в чём секрет «хитрых» фресок XVII века в римской церкви Святого Игнатия: 3D-технологии прошлого.
Великий Энди Уорхол
13 ноября 2020
Банки супа «Кэмпбелл», фильтры для «Инстаграма» и другие легендарные истории
Имя Энди Уорхола и сегодня идет рука об руку со скандалами и провокациями, что уж говорить о прошлом веке. И это неспроста: так дерзко объявлять шедеврами живописи товары массового потребления — для этого нужно обладать не только особым талантом, но и идеей, способной увлечь весь мир.
Карьера Энди Уорхола начиналась довольно банально: он был коммерческим художником, добился кое-какой известности и приличного заработка, рисуя рекламу для журналов и витрин магазинов. Казалось бы, ничто не предвещало такой популярности.
Попробуем разобраться в том, что произошло с Энди Андреевичем дальше. Почему именно он, а не кто-то из сотни других художников, стал иконой поп-арта?
«32 банки супа Кэмпбелл», 1961–1962 годы
Новая философия и банки с супом «Кэмпбелл»
Слава и деньги пришли к Энди Уорхолу достаточно быстро. Все 1950-е молодой Уорхол искал себя: посещал галереи и выставки, общался с людьми культурной среды и пытался понять, что бы такое ему нарисовать, чтобы мгновенно выделиться и иметь успех. И постепенно он нащупал золотую жилу — popular art.
Для первого своего шедевра Уорхол выбрал изображение банки супа «Кэмпбелл», который до сих продается в каждом втором американском супермаркете. Но почему выбор пал именно на этот предмет? Версий масса, но сам Уорхол любил рассказывать, что источником вдохновения стала обыденная жизнь: на протяжении двадцати лет этим супом его кормила мама (а из пустых банок делала различные поделки), поэтому ничего странного в том, что в один день банка «Кэмпбелл» оказалась на его картине, нет.
Одним экземпляром дело не ограничилось. Художник нарисовал целую серию банок — из 32 картин, которые в 1962 году были выставлены в нью-йоркской галерее «Ферус» Ирвинга Блума. На каждом полотне была банка с определенным вкусом из линейки «Кэмпбелл». На первый взгляд кажется, что они совершенно одинаковые, но, если присмотреться, авторская рука все-таки заметна — где-то изменена этикетка, где-то видны мазки краски. Блум развесил все 32 холста строго в одну линию — ровно так, как обычно их видят покупатели в магазинах.
Изначально «банку супа» в исполнении Энди Уорхола можно было купить всего за 100 долларов, и к концу выставки было продано всего пять экземпляров. Тогда в голову Блуму пришла новая идея: все 32 банки должны стать единым произведением! С согласия Уорхола он выкупил назад пять ранее проданных картин. К слову, далось ему это нелегко, одним из покупателей был американский киноактер Деннис Хоппер, который долго не хотел расставаться с приобретением.
Посетители на выставке «Я, Энди Уорхол» в залах Государственной Третьяковской галереи на Крымском Валу
Именно с момента воссоединения «банок» начинается триумфальная слава Энди Уорхола — гения поп-арта. Поворотным моментом в этой истории стала убедительная сила концепции, заложенной Уорхолом в свои произведения.
Во-первых, Энди сыграл на самом контрасте понятия «искусство». Еще с XIX века сложность античных, религиозных, аллегорических и прочих сюжетов живописи начинает стремительно отдалять искусство от рядового зрителя — именно в это время появляются такие профессии, как искусствовед и экскурсовод, в задачи которых и входит объяснить смысл того или иного произведения. Таким образом, искусство становится понятным лишь избранным и вносит некоторое расслоение в общество. Энди Уорхол, наоборот, посвящая свои картины супу «Кэмпбелл», словно говорит: здесь не изображено ничего, кроме самих банок, — для трактовки такой живописи не нужен искусствовед, все предельно просто и понятно! И возникает парадокс: общество снова возмущено! На этот раз тем, что это «примитивно, глупо и вообще не искусство», а истинное искусство пусть лучше будет непонятным, но зато «высоким».
Во-вторых, серией картин с изображением банок супа Уорхол бросает вызов общепринятому мнению о том, что искусство должно быть редким и уникальным — якобы только тогда оправдывается его художественная и финансовая ценность. Уорхол не стремится создать свой собственный уникальный художественный стиль, а напротив, имитирует реальные объекты. И в этом есть политический и социальной подтекст, впервые озвученный художником дадаистом Марселем Дюшаном. Дело в том, что современное арт-сообщество превозносит художника, понижая при этом статус рабочего человека в мире массового производства. Уорхол подчеркивает эту мысль, создавая 32 варианта банок супа, каждая из которых кажется одинаковой лишь на первый взгляд, а на самом деле имеет уникальные черты. За каждой бездушной банкой стоят усилия неизвестных и непризнанных рабочих.
Посетители на выставке «Я, Энди Уорхол» в залах Государственной Третьяковской галереи на Крымском Валу
Нельзя обойти стороной и еще один вопрос: нет ли в проекте с банками супа рекламной составляющей? Ведь в результате в историю искусства вошло не только само произведение художника, но и бренд «Кэмпбелл». Другими словами — а не спланированная ли это рекламная коллаборация?
Энди Уорхол, как и компания «Кэмпбелл», никогда не отвечал на этот вопрос прямо. Однако в 1965 году пригласительные билеты на легендарную выставку Уорхола были напечатаны на фабричных этикетках супа. Таким образом, связь с компанией очевидна, но о ее глубине мы можем только догадываться. Таинственная завеса. И это еще один гениальный ход художника, который сделал его произведение бессмертным — ведь людям всегда хочется найти ответы на свои вопросы.
«Диптих Мэрилин», 1962 год
«Диптих Мэрилин», «Фотошоп» и фильтры для «Инстаграма»
5 августа 1962 года скончалась легендарная голливудская актриса Мэрилин Монро. Уже через неделю Энди Уорхол принялся за работу над новой картиной. За основу была взята рекламная фотография Мэрилин 1953 года, сделанная во время съемок фильма «Ниагара». Уорхол приобрел этот снимок и приступил к шелкографии (трафаретной печати на шелке). Он пропитывал изображение красками, получая один и тот же образ, но каждый раз немного измененный. Художник признавался, что сам процесс работы доставлял ему особенное удовольствие — в нем был эффект «стихийности, необычности и творческого эксперимента». В этом произведении важен сам факт того, что сразу после трагической смерти знаменитой актрисы Уорхол не просто создает ее портрет, а культивирует образ молодой, красивой, полной жизни «идеальной женщины» — кумира миллионов и секс-символа своего времени. Уорхол создает совершенное изображение Мэрилин Монро, которому суждено войти в историю.
Позже художник признавался, что всегда был сторонником идеи о том, что образ звезды необходимо делать совершенным, без каких-либо изъянов. Если задуматься, то именно эта идея стала основой программы Photoshop и других современных приложений для коррекции фотографий. Так философия Энди Уорхола прочно закрепилась в сознании людей и существует по сей день: мы с вами ежедневно наблюдаем идеальные изображения на рекламных плакатах и в социальных сетях, которые доведены до совершенства благодаря специальным инструментам и приложениям.
В итоге «Диптих Мэрилин» состоял из двух панелей, на каждую из которых изображение было нанесено 25 раз. Образы Мэрилин располагались по пять в ряд, как почтовые марки на листе. На одной панели зрителю улыбается беззаботная Мэрилин Монро на оранжевом фоне, с лицом цвета фуксии, желтыми волосами и красными губами. И здесь мы имеем дело с созданными руками художника готовыми фильтрами для обработки фото! Прямо как в «Инстаграме».
Но на другой панели использован куда более мрачный — черно-белый фильтр, и на зрителя смотрит затравленная и несчастная Мэрилин. Изображения полустертые и блеклые. Здесь и аллюзия на смерть, и история о цене славы. Вот почему эту работу Уорхола часто сопоставляют с «Портретом Дориана Грея» Оскара Уайльда. С одной стороны — прекрасная и нестареющая кинодива, а с другой — ее призрак или то, что осталось от былой яркости и красоты.
Посетители на выставке «Я, Энди Уорхол» в залах Государственной Третьяковской галереи на Крымском Валу
Что интересно, изначально Уорхол создал две отдельные картины: цветную и черно-белую Мэрилин. Но в процессе работы в мастерскую художника заглянул коллекционер Бартон Тремейн с женой, которая сходу отметила, что это готовый диптих. Уорхолу так понравилась эта идея, что в одночасье две картины превратились в одну — «Диптих Мэрилин», а Тремейны стали его новыми владельцами.
Слово «диптих» пришлось очень кстати, так как ассоциируется с церковным изображением — в случае с Уорхолом в нем запечатлен образ обожаемой актрисы, символа поколения. С другой стороны, художник очевидно спекулировал на образе трагически погибшей женщины, о которой говорили все новостные издания.
Уорхол превратил образ Мэрилин в товар массового потребления, подтвердив таким образом свою же скандальную фразу: «Хороший бизнес — лучшее искусство». И в то же время внес бесценную лепту в формирование образа легенды американского кинематографа — Мэрилин Монро.
Что интересно, у Уорхола еще есть серия картин, посвященная другой иконе эпохи — королю рок-н-ролла Элвису Пресли: «Двойной Элвис», «Тройной Элвис», «Восемь Элвисов» и даже разукрашенный Элвис!
Посетители на выставке «Я, Энди Уорхол» в залах Государственной Третьяковской галереи на Крымском Валу
Искусство в массы и другие опыты Энди Уорхола
Общество потребления — главная тема в творчестве Энди Уорхола. И экспериментировал он с ней методами этого же общества, будь то изображение долларовых купюр или бутылок кока-колы. Себя он также превратил в бренд, который безжалостно, всеми доступными методами говорит о циничном и тщеславном мире, в котором мы живем.
Свою мастерскую Уорхол называл «Фабрикой», подразумевая значимость не только творческого метода, но и коммерческого подхода к искусству. Более того, в мастерской был установлен печатный станок — и Уорхол мог «производить» до восьмидесяти произведений искусства в день. Провозгласив тезис «искусство в массы», он смело ему соответствовал, делая таким образом искусство более доступным для общества и нарушая каноны арт-сообщества.
Безусловно сильными сторонами Уорхола были смелость в экспериментах и умение слышать людей. Неудивительно, что вокруг него быстро собрался круг почитателей и учеников. Энди Уорхолу мы обязаны не только промышленным использованием шелкографии, но и аэрографии. Художник предположил: было бы прекрасно, если бы искусство можно было созерцать не только в статике, но и в движении — и нанес изображение на автомобиль.
3 июня 1968 года в стенах «Фабрики» на Уорхола было совершено покушение. Радикальная феминистка Валери Соланас, автор «Манифеста общества полного уничтожения мужчин», сделала три выстрела в живот художника. После клинической смерти и долгой операции ему удалось выжить. Несмотря на то что Уорхол не стал давать обвинительные показания, девушку осудили на три года. После трагедии он прожил еще 19 лет, но теперь в его творчестве тема смерти зазвучала ярче и выразительнее — даже в легкомысленном, на первый взгляд, поп-арте.
«Энди Уорхол, невидимая скульптура», 1965 год
Энди Уорхол — один из главных новаторов в искусстве ХХ века — умер в возрасте 58 лет зимой 1987 года, но шумиха вокруг его эпатажного творчества не утихает и по сей день.
Для справки27 сентября в выставочных залах Третьяковской галереи, давним другом и партнером которой является банк ВТБ, открылась выставка Союза художников России «Я, Энди Уорхол». В экспозиции более 200 работ пионера поп-арта. Из-за непростой обстановки, вызванной пандемией COVID-19, посещение выставки пока недоступно для публики, однако после снятия ограничений проект можно будет увидеть своими глазами.
Благодарим вас за участие в улучшении нашего контента!
«Банки с супом Кэмпбелл» Энди Уорхола
Об Энди Уорхоле говорят как о художнике, изменившем мир. О нем написаны десятки книг и снято не меньше фильмов. Из них можно узнать, что Андрей Вархола (настоящее имя художника) родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге в США в семье иммигрантов из Словакии. Еще, что он был болезненным, застенчивым, всю жизнь комплексовал по поводу своей внешности и даже сделал пластику носа, носил серебристые парики.
Тем не менее, ничто не помешало ему стать одним из самых известных художников в мире, снимать фильмы, создать культовую мастерскую «Фабрика», открыть ночной клуб, издавать собственный журнал «Интервью», запустить два телевизионных шоу и раскручивать андеграундных музыкантов. Поворотной в творчестве Уорхола стала работа «Банки с супом Кэмпбелл». После нее к художнику пришла слава, о которой он давно мечтал.

Энди Уорхол «Банки с супом Кэмпбелл», 1962
После учебы в Технологическом институте Карнеги Уорхол в 1949 году переехал в Нью-Йорк. Он работал чуть ли не сутки напролет. Сначала оформлял витрины магазинов, рисовал для глянцевых журналов. Уорхол быстро стал одним из самых известных коммерческих иллюстраторов и зарабатывал около ста тысяч долларов в год. В конце 50-х в Америке стало набирать популярность направление поп-арта. Энди тоже делал работы в этом стиле, но его первая выставка в Нью-Йорке в 1958 году осталась практически незамеченной. В то время как работы молодых художников Роберта Раушенберга и Роя Лихтенштейна расходились как горячие пирожки.
Уорхол переживал, что его не принимают в мире высокого искусства. Он пытался работать с тем же Лихтенштейном, но Энди дали понять, что коммерческому иллюстратору не место в искусстве. Тогда Уорхол взял творческий отпуск и начал усиленно придумывать идеи, художник хотел сделать «что-то, что будет ни на что не похоже». Он рисовал героев мультиков, клал холсты на тротуары, чтобы на них оставались отпечатки от обуви людей, смешивал краски в самых немыслимых цветовых сочетаниях… До сих пор нет однозначного мнения, кто подсказал Энди нарисовать банки с супом «Кэмпбелл». Ему предложили рисовать то, что он любит сам. Так появились работы со сто долларами и банки с супом. Как говорил Уорхол, суп он ел на обед каждый день на протяжении 20 лет.
Энди отправил в магазин свою маму Юлию (она на тот момент жила с художником и во многом ему помогала), чтобы она купила все 32 банки разных видов супа «Кэмпбелл», которые на тот момент выпускались. Целый год Энди отрабатывал стиль изображения банок до совершенства. В итоге он сделал 32 живописных полотна, каждое из которых было в высоту 51 см и в ширину 41 см. С супом художник сделал цикл работ в технике живописи и шелкографии.
Уорхолу предложили выставить нарисованные банки с супом в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Выставка прошла 9 июля 1962 года. После нее об Энди заговорили как о художнике, который делает не только коммерческое искусство. Критики сходились во мнении, что работы Уорхола отражают безликость и пошлость массового потребления. Пришедшие на выставку говорили, что банки с супом произвели на них сильное впечатление.
На волне бурных обсуждений своей выставки Энди Уорхол окончательно определился, что будет работать в направлении поп-арта. Стоимость его работ из-за скандальной репутации Энди, которую он все время подогревал, была самой высокой среди американских художников того времени. Уорхол сделал множество известных во всем мире работ, но именно «Банки с супом Кэмпбелл» всегда считал самой удачной. Эта работа сейчас хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
7 интересных фактов об Энди Уорхоле
1. Художник всегда носил с собой диктофон и мог включить его в любой момент.
2. Уорхол был волонтером в приюте для бездомных в Нью-Йорке.
3. Считается, что Энди Уорхол первым придумал жанр арт-видео.
4. Близкие друзья прозвали Уорхола Drella. Это синтез двух слов«Dracula» и «Cinderella» (Золушка).

Энди Уорхола можно сравнить с Золушкой в мире искусства
5. Уорхол снял около 60 фильмов. Самая первая его работа «Сон» длилась шесть часов. Из девяти людей, пришедших на премьеру, семь смогли досидеть до конца.
6. В 1968 году Уорхол чуть не погиб. Феминистка и тусовщица «Фабрики» Валери Соланс после того, как Энди отверг ее сценарий, выстрелила в него три раза. Художник пережил клиническую смерть. Это происшествие сильно на него повлияло. Он стал ходить в церковь чуть ли не каждый день. Правда, многие друзья о религиозности художника не знали до самой его смерти.
7. Уорхол скончался в 1987 году от остановки сердца после операции на желчном пузыре. Его похоронили вместе с номером журнала «Интервью» и флаконом его любимых духов от Estee Lauder.
ᐈ Суп может маркировать стоковые изображения, значок суповой банки Royalty Free
9 Суп может маркировать стоковые изображения, Royalty Free значок суповой банки | скачать на Depositphotos®




















































, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения банка супа
, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения банка супа | Depositphotos®















































































































































